Larry Niven y la ciencia ficción

Larry Niven, de nombre completo Laurence Van Cott Niven, nació el 29 de abril 1938 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos), hijo de Lucy Estelle Niven y Waldemar Van Cott Niven. Después de culminar sus estudios secundarios en Hawthorne, Larry acudió en 1956 al Instituto de Tecnología de California, pero dejó el centro un año y medio después de su ingreso.
Posteriormente estudió matemáticas en la Washburn University de Kansas. También en esta universidad estudió algunos cursos de psicología. En los años 60 decidió dedicar todo su tiempo a la literatura, escribiendo en 1964 su primer relato de ciencia-ficción, “El más frío de los lugares”, aparecido en “Worlds of it”. Dos años después publicó su primera novela, “El mundo de los Ptavvs” (1966). Al año siguiente, en 1967, consiguió ganar el premio Hugo por su relato “Estrella de neutrones”.
Tras casarse en 1969 Larry con Marilyn Joyce Wisowaty, creó su “Mundo Anillo” (1970), novela que le concedió la popularidad y la admiración entre los amantes del género de ciencia-ficción. El libro, que ganaría galardones importantes como el Hugo, el Nébula y el Locus, sería continuado por “Los ingenieros del Mundo Anillo” (1979), “The Ringworld Throne” (1996) y “Ringworld’s Children” (2003).
El premio Hugo volvería a conseguirlo en 1972 por el relato “Luna Inconstante”, en 1975 por otro relato, “El hombre del agujero”, y en 1976 por “La frontera del Sol”. El premio Locus lo lograría, además de por “Mundo anillo”, por el relato “The Missing Mass” (2001) y por la novela “Los árboles integrales” (1984), englobada en la serie “Espacio Conocido”, la cual sería continuada por “The Smoke Ring” (1987).
En 1978 dio inicio a otra serie con “The Magic goes away” (1978). Posteriormente aparecerían “The magic may return” (1981) y “More Magic” (1984). También Niven escribió varios libros en colaboración, fuesen con Jerry Pournelle (varias novelas, como “El martillo de Lucifer” o “Juramento de fidelidad”, y las series “Golden Road”, “Heorot” y “Moties”, con “La paja en el ojo de Dios” o “Tercer brazo”), Steven Barnes (varias novelas y las series “Dream Park” o “Heorot”) o David Gerrold (la novela “The Flying Sorcerers”).
Otras novelas en solitario de Larry Niven son “A gift from earth” (1968), “Protector” (1973), “Un mundo fuera del tiempo” (1976), “The Patchwork Girl” (1980), “The time of the Warlock” (1984), “Destiny’s Road” (1997), “Rammer” (1997) y “Rainbow Mars” (1999).
Convertido en uno de los principales escritores de ciencia-ficción de nuestro tiempo, Larry Niven es el escritor favorito de Arthur C. Clarke y un autor clave de la Hard SF o Ciencia-Ficción dura, libros en los cuales el aspecto científico es riguroso y altamente descriptivo.
Fuente: http://www.alohacriticon.com/viajeliterario/article1234.html
@QueLeer

Superman no quiere ser ciudadano estadounidense

Superman está cansado de que se manipulen políticamente sus acciones. Sobre todo, no quiere ser visto como un "corre ve y dile" de la Casa Blanca. Para ello, no se le ha ocurrido nada mejor que convertirse al internacionalismo y, de paso, renunciar a su condición de ciudadano estadounidense.
Desde los años 30, el superhéroe venía luchando por "la verdad, la justicia y la forma de vida estadounidense". Pero ahora "ya no son suficientes". "El mundo es demasiado pequeño y está demasiado interconectado".
La gota que colmó el vaso de su paciencia fue que, después de asistir a una manifestación en Teherán (como mero espectador y sin intervenir), el gobierno de Irán lo acusó de un "acto de guerra" y de actuar "en nombre del presidente de EE.UU.".
"Pretendo hablar ante Naciones Unidas mañana e informarles que renuncio a la ciudadanía estadounidense (…). Estoy cansado de que mis acciones sean interpretadas como un instrumento de la política de EE.UU.", explica el personaje en el número 900 de las historias de Superman, a la venta desde el pasado miércoles.
"Falta de patriotismo"Aunque en la historieta el asunto quedó en una declaración de intenciones, las palabras puestas en la boca de Superman por DC Comics no pasaron desapercibidas.
Seguidores y, sobre todo, medios de comunicación y comentaristas de tendencia conservadora, lo acusan de "falta de patriotismo".
Jonathan V. Last escribe en The Weekly Standard que se trata de "la mayor tontería que DC Comics podía hacer", al tiempo que insistió en que lo "único realmente interesante del personaje es su devoción completa a EE.UU. que establece sus límites morales".
"¿Cree en el intervencionismo británico o en la neutralidad suiza? (…). Si Superman no cree en EE.UU., entonces tampoco cree en nada".
Tampoco faltan las críticas del público en general, como John Dallas, que escribe en el foro abierto por The New York Times que se trata de algo "patético". "¿Los guionistas no podían haber hecho algo mejor?", se pregunta.
Otros aprovechan para recordar que en la próxima película de Superman, el protagonista será un actor británico, Henry Cavill.
Ni falta, por supuesto, el sentido del humor entre quienes hablan de que Superman en realidad se ha visto obligado por quienes le exigían que presente su certificado de nacimiento, en alusión a la polémica levantada en torno al del presidente Barack Obama.
Y es que tal vez sea necesario recordar que Superman no es otra cosa que un inmigrante –interplanetario en su caso– pues no nació en EE.UU. Llegó desde el planeta Kripton hasta Kansas, donde fue adoptado por la familia Kent.
Héroe transnacional
El autor de la polémica historieta del número 900 es David S. Goyer, quien además es el guionista de la que será la nueva película del superhéroe y que se empezará a filmar en los próximos meses.
La explicación que ofrece The Hollywood Reporter es que Superman –más bien la editorial– pretende consolidarse como un personaje trasnacional que atraiga más audiencia en todo el mundo.
En ese sentido, coinciden los responsables de Action Comics, Jim Lee y Dan DiDio, defendieron que "Superman anuncia su intención de centrarse en asuntos globales en su inacabable batalla, pero queda, como siempre, su compromiso a su hogar adoptivo y sus raíces como alguien que ha crecido en una granja de Kansas".
Fuente: http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2011/04/110429_superman_ciudadano_estadounidense_az.shtml?utm_source=twitterfeed&utm_medium=twitter
@NewsMundo

YouTube lanza su servicio de alquiler de películas

Google firmó el acuerdo con grandes estudios de Hollywood para que en YouTube se puedan alquilar películas.
Básandose en el Video on demand y el streaming, los usuarios de YouTube podrán acceder a los últimos lanzamientos de Sony, Warner y Universar, que ya firmaron el acuerdo con Google. Los otros tres grandes estudios, Paramount, Fox y Disney, todavía no tomaron una decisión.
Según lo publicado, el servicio podría empezar a funcionar desde Mayo dentro de los Estados Unidos. El costo promedio de cada film sería de 2 dólares, aunque eso dependerá del título que se elija.
Esta iniciativa es un intento de Google para crecer en el mercado. Sus grandes competidores serían Netflix e iTunes. La primera, es líder en el mercado de las películas online por medio del streaming, mientras que la segunda, tiene un importante listado online de films para descargar y alquilar.
Fuente: http://www.haciendocine.com.ar/article/youtube-lanza-su-servicio-de-alquiler-de-pel%C3%ADculas
@HaciendoCine

Jacuzzi Brothers

En 1907, los hermanos Jacuzzi emigraron a Estados Unidos junto a su familia. Se instalaron en Berkeley (estado de California) y emprendieron nuevas actividades. Se hicieron maquinistas y luego se encaminaron por los senderos de la innovación. Rachele, inspirado por la Panamá Pacific Exposition de 1915, empezó a confeccionar hélices de aviones llamadas “Jacuzzi Toothpick”. Luego, crearon una empresa que se dedicó a la fabricación de aviones, “Jacuzzi Brothers”. Pero tras el accidente aéreo de uno de ellos (Giacondo), dejaron la producción de aviones y se dedicaron a la fabricación de bombas hidráulicas únicas en Estados Unidos, por lo cual recibieron en el año 1930, una medalla de oro en la California State Fair.
Los hermanos Jacuzzi también crearon los primeros monoplanos con cabina cerrada, usado por el servicio de correo postal estadunidense y para el transporte de pasajeros.
Jacuzzi: baños de hidromasajes
Además de ser vanguardista en el sector aéreo, en 1948 nació la idea de desarrollar bombas hidráulicas que funcionen bajo el agua. En efecto, el hijo de uno de los hermanos Jacuzzi sufría de artritis y sólo los tratamientos de agua que le hacían en el hospital le aliviaban los dolores. Para no verlo sufrir entre cada visita, Candido, el padre del joven, adaptó la bañera de la casa con una bomba hidráulica sumergida en agua, permitiéndole a su hijo dejarse masajear por el chorro que salía directamente de dicha bomba.
Del jacuzzi casero a la comercialización
Es en 1956 que se comercializaron los primeros Jacuzzi bajo el nombre J-300. El público objetivo eran los hospitales donde los tratamientos a base de agua eran muy solicitados. Los médicos felicitaron la iniciativa, destacando el lado terapéutico de los J-300.
En los años 70, Candido Jacuzzi mejoró el producto y pensó en cómo integrar un sistema de chorros que saliera directamente de las tinas. Es así que nació el “Roman Bathtub” o Piscinas de Hidroterapias (SPA), pensadas para albergar a varias personas a la vez y donde se incorporaron sistemas de filtración y mantención de temperatura del agua. El Jacuzzi dejó entonces de ser un simple tratamiento terapéutico y se volvió un producto de lujo codiciado por las estrellas de Hollywood.
En 1990, Jacuzzi entró en el Salón de la Fama de Estados Unidos, el “National Kitchen and Bath” por sus constantes aportes al uso de la hidroterapia en el hogar.
En 2006, Apollo Management compró parte de la empresa Jacuzzi Brands por 990 millones de dólares y junto a esta, implementó una campaña de consumo masivo "Jacuzzi: Water that moves you." (Jacuzzi: el agua que te mueve) y se mudó hacia Chino, California.
Fuente: http://www.momentocero.cl/novedades/grandes-casos-de-emprendimiento-jacuzzi
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Henry Ford

"Si hubiera preguntado a mis clientes qué necesitaban, habrían dicho un caballo mejor". Henry Ford
Fuente: @SimplesComillas:

Roy Orbison

Uno de los grandes personajes de la música pop-rock en toda su historia.
Admirado y venerado con devoción por sus compañeros de profesión, Roy Orbison (nacido el 23 de abril de 1936 en Vernon, Texas) poseía una voz extraordinaria y penetrante, capaz de estremecer y emocionar al individuo más insensible con sus tristes relatos de desamor de mágica vocalización e instrumentación que tanto influyeron en la construcción del rock y el pop posterior.
Roy comenzó su carrera musical a finales de los 50 como cantante para la mítica Sun Records de Sam Phillips, en donde grabó su primer sencillo, "Ooby Dooby", un tema rockabilly que tuvo mediana repercusión comercial.
El físico poco agraciado de Orbison pudo condicionar el poco éxito de sus siguientes singles, lo que le hizo abandonar la Sun Records y su posición de cantante durante un tiempo.
Su talento como compositor lo llevó a volcarse a la escritura de canciones de texturas más pop (con predilección por grandiosas baladas) sin perder sus raíces más rock & roll para la Acuff-Rose Music, una compañía de Nashville, con la cual consiguió un enorme resultado en ventas gracias a que los famosos Everly Brothers grabaron un tema que Orbison había escrito para su esposa "Claudette". Poco después, en 1960, firmaría con el sello Monument Records en donde trabajaría también como compositor y como cantante.
Decidió volver a grabar sus propias canciones y presentó "Uptown", un single que aunque no fue un tremendo éxito, sí logró estimables ventas que envalentonaron a Orbison a continuar su carrera como cantante.
Su popularidad se dispararía con la publicación de "Only The Lonely", un tema rechazado por Elvis y los hermanos Everly que lo llevaría a los más altos puestos en las listas mundiales.
Otras enormes canciones que hicieron de Roy uno de los grandes de la época y de la historia fueron "Blue Angel", "Crying", "I'm Hurtin", "Candy Man", "Running Scared", "Leah", "Working for the man", "In Dreams", "Falling", "Blue Bayou" y por supuesto, sus números 1 "It's Over" y "Pretty Woman".
Estos dos tops los conseguiría nada más y nada menos que en 1964, el año de mayor auge de la "Invasión Británica" en los Estados Unidos, haciendo de Roy uno de los pocos artistas estadounidenses en competir en ventas con los chicos británicos, liderados por los Beatles, a quienes había teloneado en su gira por Inglaterra un año antes. Por supuesto, los Beatles eran grandes admiradores de la capacidad vocal de Orbison, en especial John Lennon.
Esta buena etapa de Roy Orbison durante la primera mitad de los 60 se vio radicalmente frenada en los últimos años del decenio.
El cambio de sello discográfico (de Monument Records a MGM) que prometía mejores resultados comerciales produjo consecuencias negativas ya que las ventas de sus sencillos comenzaron a decrecer, debido principalmente a que la audiencia más joven estaba loca por las nuevas tendencias musicales que arrasaban en listas y arrinconaban un poco las formas más tradicionales.
El gran cantante y compositor pasó por el peor período de su vida. Si a la caída comercial le sumamos la muerte de su mujer Claudette en 1966 por culpa de un accidente de moto, el incendio de su casa en 1968 destrozó su hogar y lo peor de todo, acabó con la vida de dos de sus hijos. El terrorífico final de década prosiguió en los 70, un decenio también bastante estéril para el vocalista tejano.
Cuando estaba semiolvidado, conoció gracias al cine de nuevo una inesperada etapa de gloria.
El primero en acordarse de Roy Orbison fue David Lynch, quien en su admirable película "Terciopelo Azul" (1986) utilizó "In Dreams" y posteriormente el megaéxito protagonizado por Richard Gere y Julia Roberts titulado 'Pretty Woman' (1990), que contenía su tema homónimo provocó la resucitación de la carrera de este maestro, quien supo ser recuperado por las antiguas y nuevas generaciones melómanas.
En 1988, Roy se había unido a Bob Dylan, Tom Petty, George Harrison y Jeff Lynne para formar el supergrupo Traveling Willburys con el que grabaría el primero (de los dos) discos de la banda, el magnífico "Traveling Willburys, Vol. 1" (1988), muy superior a su continuación (ya sin Orbison, pues había fallecido).
Parte de los Traveling Willburys lo apoyarían en el último trabajo de Roy Orbison, el estimable y póstumo "Mystery Girl" (1989), en donde recuperaba con acierto la nostalgia de su primera época con estupendas canciones como "You got it", "In the real world", "A love so beautiful" o "She's a mystery to me", esta última escrita por Bono y The Edge del grupo U2.
Cuando Roy Orbison estaba totalmente recuperado y parecía que nos iba a hacer disfrutar de nuevo con su fantástica voz, la nefasta fortuna volvió a aparecer.
Un ataque al corazón acabó con la vida de "The Big O" el 7 de diciembre de 1988, cuando contaba con 52 años.
Fuente: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1266.html
@Culturizando

Proverbio Hindú

"Cuando hables, procura que tus palabras sean mejores que el silencio".-
Fuente:@SimplesComillas

Joey Ramone: A 10 años de su muerte

Increíble. Casi sin pensarlo, un 15 de abril de 2001, Joey Ramone estaba sentado en su cama del New York Presbyterian Hospital, pensando en volver a las giras.
Se sentía inquieto. Dudaba. Hacía días que estaba en esa cama, doliente por su cáncer, pero sentía la misma vitalidad que la que tuvo en sus inicios, en Forest Hills. No sabía cuál camino tomaría: ¿ir a Sudamérica? ¿Ir a Japón o quedarse en Estados Unidos?
Una decisión difícil. Con los Ramones, en sus últimos años, esos lugares lejanos eran los únicos rincones donde habían conseguido el reconocimiento que su patria les negaba.
Era increíble pensar en tantas contradicciones. ¿Cómo hizo una banda para mantenerse unida, cuando odiaba a Johnny? ¿Cómo pudieron llenar estadios en Latinoamérica cuando tocaban para 5000 personas en EEUU?
Contradicciones. Los Ramones estaban llenos de contradicciones.
Desde chico, y enmarcado por su traumático entorno familiar, Joey sufrió un trastorno obsesivo-compulsivo que lo volvió retraído, ensimismado y tímido, con un aura de “freak”. Estuvo internado y a Johnny le llamó la atención al instante.
“Cuando era adolescente tuve que atravesar un montón de mierda, mi mamá se divorció y se volvió a casar, una familia nueva y todas esas cosas.
"Encontré mi salvación en la radio. Me acuerdo de la primera vez que escuché a los Beach Boys, era ‘Surfing USA’ y me impactó. Pero los Beatles fueron los que me convirtieron en un fan. Y más tarde los Stooges, que fueron una banda que me ayudó mucho en mis períodos oscuros. Me ayudaban a sacar afuera la agresión. Nadie andaba armado en aquellos años, ningún chico llevaba armas a la escuela. Lo que hacías era poner música fuerte, que te hacía sentir bien.”
El racional interesado por el loco. El conservador buscando al hippie. El orden llamando a la entropía. Seguían las dicotomías.
Al rato, vio al espejo que tenía en frente y percibió su reflejo como otra cara. Su otro yo, indivisible, mirándolo fijo. Sus contradicciones le aparecieron de golpe.
“Joey, vos sos el tímido, el sensible, el frágil, el creativo, el explosivo, el sentimental de ‘I want you around’, el dolido en ‘The KKK took my baby away” y el visceral furioso en ‘I’m not Jesus’; todo eso sos: un crossover genial”, le dijo esa figura que era parte de él.
Joey volvió a pensar. Dudó por un momento que su inquietud haya sido causada por querer salir de gira. No era su ex banda tampoco, porque sabía que Ramones, a pesar de ser minimalista y decadente a la vista de muchos, pudo, en palabras de sus fans, “salvar vidas”. No era eso. Todavía faltaba algo.
Y esa sensación se repite. Es una constante. Es la que sintió Bono, cantante de U2, cuando en un estadio le dijo a su público "quiero hablarles de Joey Ramone".
Curioso. En la habitación sonaba “In a Little way” y en otra parte del mundo, más precisamente en el Rose Garden de Portland, "I Remember You”. Ahí entendió todo. No se trataba de ver por qué las cosas funcionaban a pesar de las contradicciones. La muerte misma le estaba mostrando que su finiquitud era la causante de su inquietud.
Una vez que encontró la respuesta, miró al techo y sólo atinó a decir: “Adiós amigos, don’t worry about me”.
Fuente: http://www.eldiario24.com/nota/219458/joey-ramone-a-10-aos-de-llevar-un-espiritu-a-mi-casa.html
@JazzManiaMusic

Benjamin Franklin

Franklin nació en el 1706 en Boston. Él era el décimo hijo de un fabricante de jabones y de velas. Él recibió una educación formal, pero principalmente aprendió por sí solo. Después de servir de aprendiz de su padre cuando tenía 10 o 12 años, se fue a trabajar para su hermanastro James, que era un tipógrafo. En el 1721, James fundó el New England Courant, el cuarto periódico de las colonias. Benjamin secretamente contribuyó al periódico 14 ensayos, que constituyeron sus primeros escritos publicados.
En el 1723, debido a desacuerdos con su hermanastro, Franklin se mudó a Philadelphia, donde encontró empleo como tipógrafo. Se quedó ahí por dos años y luego se fue a Inglaterra por dos años más. De vuelta en Philadelphia, subió rápidamente en la industria tipográfica. Él publicó el Pennsylvania Gazette (1730-48), el cual había sido fundado por otro hombre en el 1728, pero su aventura literaria más exitosa fue el almanaque anual llamado Poor Richard's Almanac (1733-58). Éste obtuvo mucha popularidad en las colonias, segundo después de la Biblia, y eventualmente su fama se esparció por Europa.
Mientras tanto, en el 1730, Franklin vivió con Deborah Read, a la que consideraba como esposa, la cual le dió un hijo y una hija; él aparentemente tuvo hijos con otra mujer fuera de matrimonio. Para el 1748, él había obtenido independencia financiera y había obtenido reconocimiento por su filantropía y por el estímulo que le daba a causas cívicas como a bibliotecas, a instituciones educativas, y a hospitales. Enérgico e incansable, encontró tiempo para seguir su interés en la ciencia y para entrar en la pólitica.
Franklin sirvió como secretario (1736-51) y miembro (1751-64) de la legislatura colonial y como diputado del encargado de correos de Philadelphia (1737-53) y como diputado general de correos de las colonias (1753-74). También, representó a Pennsylvania en el Congreso de Albany (1754), y convocó a las colonias a que se unieran durante la guerra Franco-India. El congreso adoptó su Plan de Unión (Plan of Union), pero las asambleas de las colonias lo rechazaron debido a que invadía sus poderes.
Durante los años del 1757-62 y del 1764-75, Franklin vivió en Inglaterra, originalmente como agente de Pennsylvania y más tarde de Georgia, New Jersey, y de Massachusetts. Depués en el período que coincidió con la agitación en las colonias, él pasó por una metamorfosis política. Hasta ese momento él era un inglés contento, pricipalmente preocupado con la política provincial de Pennsylvania, desconfiaba los movimientos populares y no veía provecho alguno en llevar un principio al extremo. Cuando la idea de impuestos parlamentarios socavó las alianzas viejas, el condujo el ataque del partido Quaker hacia el partido de propietarios anglicanos y a sus aliados presbiterianos de la frontera. Su propósito cuando pasó esos años en Londres era el reemplazo de la administración de la familia Penn por autoridad real - la conversión de la provincia de una colonia de propietarios a una colonia real.
Fue durante la crisis del Stamp Act, que Franklin se desarrolló de un líder de un partido derrotado provincial a ser portavoz célebre de los derechos americanos en Londres. Aunque agente de Pennsylvania, se opuso por todos los medios a que se aprobara la ley del 1765; no estaba al tanto de la magnitud de las hostilidades en las colonias. Él creyó que la aprobación no se iba a poder prevenir y decidió trabajar para que se revocara.
El hecho de que Franklin nombró a un amigo y aliado político como distribuidor de sellos para Pennsylvania, junto con la aparente aceptación de la legislación, armó a sus oponentes hacendados de ideas explosivas. La explotación por ellos de estas ideas puso en peligro su reputación hasta que se publicó una información fidedigna que demostraba su oposición al acta. Por un tiempo el resentimiento de la muchedumbre puso en peligro a su familia y a su casa nueva en Philadelphia, hasta que sus aliados comerciantes le suministraron apoyo. Posteriormente, la defensa de Franklin de la posición americana en la Cámara de los Comunes durante los debates sobre si se revocaba el Stamp Act, restauró su reputación.
Franklin regresó a Philadelphia en mayo del 1775, e inmediatamente se convirtió en miembro distinguido del Congreso Continental. Trece meses después, sirvió en el comité que diseñó la Declaración de Independencia. Posteriormente, contribuyó al gobierno de muchas maneras importantes, incluyendo servicio como encargado de correos general y tomó los deberes de presidente de la asamblea constitucional de Pennsylvania.
Pero después de año y medio de su regreso, el estadista envejeciente, se fue de nuevo a Francia, empezando una carrera de diplómatico que lo ocuparía por el resto de su vida. En los años del 1776 al 79, como uno de tres comisionados, dirigió las negociaciones que trajeron los tratados de comercio y de alianza con Francia , por los cuales el público lo adoraba, y producía riñas constantes con los otros comisionados. Durante el tiempo en que él fue comisionado en Francia (1779-85), él y John Jay y John Adams negociaron el Tratado de París (1783), que terminó la Guerra de la Independencia.
De vuelta en los Estados Unidos, en el 1785 Franklin fue presidente del Concilio Ejecutivo Supremo de Pennsylvania. En la Asamblea Constitucional, aunque no aprobaba muchos de los aspectos del documento final y aunque estaba entrado en años, y tenía mala salud, no se perdió casi ninguna de las sesiones, prestó su prestigio, calmó pasiones, y arregló disputas.
En sus últimos años, trabajando en su autobiografía, Franklin pudo ver que su vida fue muy provechosa, llevada a cabo entre dos continentes. Con energías hasta el final, en el 1787, fue elegido como el primer presidente de la Sociedad para Promover la Abolición de la Esclavitud de Pennsylvania - una causa para la que trabajó desde los 1730s. Su último acto público fue el de firmar una petición al Congreso recomendando la abolición del sistema de esclavitud. Un poco después, en el 1790 a la edad de 84 años Franklin murió en Philadelphia, donde fue enterrado en el cementerio Christ Church Burial Ground.
Fuente: http://www.archives.gov/espanol/dia-de-la-constitucion/benjamin-franklin.html
@Culturizando

Village Lee [alt tk] - Big John Patton - The Lost Grooves , 67-70

Fuente: @abcjazznow

El 8 de abril de 1973 falleció Pablo Picasso, uno de los grandes maestros del siglo XX

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) Es uno de los grandes maestros del siglo XX, quizás el artista que más fama alcanzó fuera del ámbito profesional, ya que existen más de 1500 obras suyas en museos que reciben el nombre de "Museo Picasso". Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispín Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Quizás lo más trascendente del nombre con el cual se hizo conocido, es que usaba el apellido materno. Estaba emparentado con el militar español Juan Picasso González. Picasso sentía una gran atracción hacia la cultura Chavín en Perú en la que, según él, se basaban muchas de sus obras. Su vida está marcada por las guerras y su estilo supera todos los demás. Considerado uno de los artistas más influyentes de la historia del arte moderno, revolucionó la pintura durante su larga carrera. Sin duda el artista más importante del siglo XX, es también el que cuenta con obras en más museos a lo largo de todo el mundo, además de encabezar el ranking mundial en las subastas de arte. Periodo de Barcelona Tras haber vivido varios años en La Coruña, llegó a Barcelona en 1895. Su padre fue nombrado profesor de la escuela de Bellas Artes de Barcelona en 1896. Por esta época colaboró como dibujante en diferentes revistas catalanas y fundó la revista Arte joven, que fue un fracaso. Estando en Barcelona pintó diversos cuadros y muchos estaban relacionados con el círculo bohemio en el que Picasso se movía (hecho que hizo que entre él y su padre hubiese cierto alejamiento): el café de Els Quatre Gats. Allí entabló amistad con los personajes más interesantes del ambiente artístico. Entre ellos estaban: Eugenio D’ors, que crea la nueva fórmula de la cultura, el arte del Novecentimo (Novecentisme), relacionado con el arte nuevo, el arte del siglo XX; Jaume Sabartés que se convertirá en gran amigo de Picasso y que mas tarde se convertirá en su secretario; Carles Casagemas que será un importante compañero de Picasso en París y poeta decadentista... Periodo Azul Este periodo comienza en 1901, a causa del suicidio en París de su amigo Carlos Casagemas y termina en 1904. Es un periodo en el que utiliza un ambiente bohemio de las calles parisinas, también mostrado en sus cuadros la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del post-impresionismo. En sus obras, Picasso casi siempre utiliza tonos azules y representa personajes escuálidos con expresión trágica: Dama en Eden Concert (1903), La Vida (1903), Las dos hermanas (1904) así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años, miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas al estilo de El Greco. El cuadro Habitación azul refleja el trabajo de su evolución hacia el periodo azul. Periodo Rostesa Poco después de establecerse en París, Picasso conoce su primera compañera. Desde 1905 su paleta se inclina hacia los tonos rosas y rojos, lo que dura hasta 1906. En esta época Picasso fue menos trágico y representó escenas de circos, comediantes, etc. Algunas de estas: Familia de Arlequín (1905) y tuvo una obra maestra, Gran holandesa. Protocubismo En el verano de 1906, en Gosol, su obra entrará en una fase marcada por la influencia africana. El retrato de Gertrude Stein revela un tratamiento del rostro, otra obra que marcó este periodo fue Las señoritas de Avignon, tan radical en su estilo. Frente a la pintura trata en esta obra la profundidad espacial y la forma de representación del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y ángulos.En este periodo Picasso se desvincula de los cánones de arte relacionados en mostrar representaciones exactas de la realidad, modificándolas, más precisamente transformándolas con parámetros geometricos. Periodo Cubista Transcurre entre 1908 a 1916. En este periodo Picasso tiene una manera de pintar neoclásica, como la Mujer sentada y La Griega, y en otras obras como los delicados retratos de su hijo Pablo. Busca una pintura pura, y para ello comenzó a observar los objetos de su taller, de modo intelectual. A esta época pertenecen: El Retrato de Vollard (1910), "le guitariste" (1910) y El aficionado (1912). En la escultura consiguió dar la sensación de volúmenes. Esta se basó principalmente en botijos y elementos de barro cocido, esculpido y después pintado. Periodo Neoclasicista Este periodo comienza en 1917 y termina en 1927. En este periodo hay una tendencia en muchos artistas de vuelta al clasicismo. En su caso, una vuelta al desnudo monumental, al dibujo de línea precisa como los retratos de Ingres, al equilibrio. Se puede observar esta misma tendencia en otros artistas importantes de la época, que se adscriben al neoclasicismo. De todos modos, es en la música donde el neoclasicismo de entreguerras tiene más fuerza. Data de este periodo la composición de Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas (1920), Apolo, dios de las musas (Apollon Musagète), para orquesta de cuerdas (1928) y El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta (1928), de Ígor Stravinski. Época Surrealista Este periodo dura de 1928 a 1932. Las pinturas que destacan son Bañista en pie (1929), Bañista al borde del mar (1930) y El sueño (1932). En esta época las formas son distorsionadas, representando lo monstruoso o a evocaciones mitológicas y las esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal. Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Bretón calificaba este acercamiento de Picasso como «...surrealista dentro del cubismo...» Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), donde Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos, de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore. Época expresionista Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Picasso fue nombrado director del Museo del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó uno de sus cuadros más famosos, el Guernica, es un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica. En estos años la mayor parte de las obras expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación que se vivía. Otras obras fueron Mujeres llorando, y Mujeres sentadas, que refleja la tragedia de la guerra. El punto culminante de su expresionismo lo marcan sus cabezas de dos caras. En escultura realiza las piezas más abstracta, sin método ni sistema. Durante la II Guerra Mundial no se movió de Francia, siguiendo pintando en el París ocupado por los nazis. Cuando terminó la guerra, se unió al partido comunista. Periodo de Vallauris Female head por Picasso en Halmstad Sweden.Se traslada a Vallauris. En esta ciudad acabó su escultura El hombre del cordero que mide 2,20 m de altura. Dicha figura se encuentra en la plaza del mercado de dicha ciudad (1950, "Museo de Arte de Filadelfia") y se dedicó por completo a la cerámica, donde realiza cerca de 2000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas: La cabra (1950, "Museo de Arte Moderno"), también en bronce; la obra que llevó a cabo en 1964: maqueta de cabeza de mujer, una monumental escultura de 1966 en acero soldado; a lo largo de siete meses, creó notables series de grabados con el que retornó a sus primitivos temas: el circo, escenas eróticas... En Vallauris nacieron sus dos hijos, circunstancia que favoreció la presentación de cuadros más infantiles y maternales, rebosando maternidad. También pintó enormes murales: La guerra y La Paz (1952), Massacre en corée (1951), La Baignade (1957). Durante los últimos años pintó variaciones de temas célebres. Muchas de las últimas pinturas de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Eugenio Delacroix y Eduardo Manet. Además de en la pintura de cuadros Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fermande Moulot. En 1963 se inauguró en Barcelona el Museo Picasso. En 1971 celebra Picasso su 90º cumpleaños y le hicieron numerosos homenajes. A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de su producción artística, fue la obra Autorretrato (1907); es una de las últimas que hizo Picasso, sintiéndose identificado por el post-impresionismo. Forma parte del Periodo Rosa. Los tonos rojizos dominan, oscuros o claros, en las distintas partes de cuadro. En el fondo de la parte izquierda combina el color rosado como base junto con café y azul, dando el efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego con tonos rojos y naranjas se va aclarando a medida que se sube. Los tonos de la cara llevan un gris como base, que junto con los rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la piel. Fuente: http://noticias.universia.es/vida-universitaria/noticia/2008/04/08/581860/8-abril-1973-fallecio-pablo-picasso-grandes-maestros-siglo-xx.html @Culturizando

Ernesto Che Guevara

"Si avanzo sígueme,

si me detengo empújame,

si retrocedo mátame".

Ernesto Che Guevara

Fuente: @SimplesComillas

Émile Zola

Émile Zola nació en París, el 2 de abril de 1840, hijo de Francesco Zola, ingeniero emigrante italiano, y de Émilie Aubert, proveniente de la pequeña burguesía francesa, pasó su infancia en Aix-en-Provence, donde su padre trabajaba realizando importantes obras de canalización de aguas y estudió en el colegio Bourbon. Fue compañero de Paul Cézanne, con quien mantuvo una sólida amistad, y tomó contacto con la literatura romántica, especialmente con la narrativa de Víctor Hugo y la poesía de A. De Musset, que era su escritor favorito. Tras la muerte de su padre en 1847 la familia comienzan a tener verdaderos problemas económicos, en 1858 Zola se traslada de nuevo a Paris para cursar estudios en el Liceo Saint Louis. 1860 y 1861 fueron los peores años de su vida ya que se encontraba atravesando una época de total miseria, pasando incluso hasta varios días sin tener qué comer, pero finalmente en 1962 encontró trabajo en la Editorial Hachete y a su vez trata de hacerse un hueco en el ámbito periodístico, colaborando en varias publicaciones de la época. En 1864 publica su primer libro, un conjunto de relatos titulados Cuentos a Ninon, y en 1865 edita La Confesión de Claude, una novela de características autobiográficas. A partir de 1866, cultivó la amistad de personalidades importantes de la época, como los pintores Édouard Manet, Camille Pissarro y los hermanos Goncourt. Es por entonces cuando comienza a dar vida al proyecto Rougon-Macquart, que concluyó en 1893. Se trata pues de una colección de 20 tomos donde traza la genealogía de más de doscientos personajes y sus textos fueron tan elogiados como criticados, ya que en muchos aspectos fueron obras precursoras, innovadoras y muy adelantadas a la mentalidad de la época, comienzo de la corriente que posteriormente se dio en llamar Naturalismo. Casado en 1870 con Alexandrine Mélay a partir de 1873, se relacionó con Gustave Flaubert y Alphonse Daudet. Conoció a Joris-Karl Huysmans, Paul Alexis, Léon Hennique y Guy de Maupassant que llegaron a ser habituales de las veladas de Médan, un lugar cerca de Poissy donde Zola tenía una casita de campo desde 1878. Se convirtió en el líder de los Naturalistes. El volumen colectivo de esas Veladas apareció dos años después. En 1886, Zola se peleó con Paul Cézanne (a quien quizás se puede reconocer en el personaje de Claude Lantier, el pintor fracasado de La obra). Criticó habitualmente los criterios utilizados en las exposiciones de arte oficiales del siglo XIX, en las que se rechazaba de forma continuada las nuevas obras impresionistas. La publicación de La tierra levantó polémica: el «Manifiesto de los cinco» marcó la crítica de escritores naturalistas jóvenes. A partir de 1888 se le relaciona con Jeanne Rozerot, con la que tendrá dos hijos. En 1890, se rechazó su entrada en la Academia francesa. En 1898 aparece publicado en el periódico L´Aurore, en un extenso artículo dirigido al Jefe de Estado francés, donde defendió la inocencia del capitán de origen judío A. Dreyfus, acusado de alta traición a la patria por los militares antisemitas. El efecto causado por su participación en el Caso Dreyfus lo posicionó como líder de las fuerzas progresistas (republicanos y socialistas) que reclamaron al gobierno derechista la defensa de los derechos humanos en la República. El gobierno, apoyado por los partidos conservadores, el ejército nacionalista y la Iglesia Católica, lo acusó por injurias y lo persiguió, por lo que se exilió en Inglaterra hasta que se demostró la inocencia definitiva de Dreyfus y el complot militar. En 1899 volvió a París y pudo ver indultado a Dreyfus, y el 29 de septiembre de 1902 murió asfixiado por la defectuosa combustión de una chimenea, hecho que suscitó muchas sospechas dadas las reiteradas amenazas de muerte que había recibido. Finalmente en 1906 se rehabilitó a Dreyfus. Emile Zola Estaba enterrado en el Cementerio de Montmartre, en París, pero sus cenizas fueron trasladadas al Panteón el 4 de junio de 1908. Su influencia sobre las generaciones posteriores de escritores no fue sólo literaria, ya que su actitud de involucrarse tanto en la literatura como en la realidad social se transformó en un paradigma del escritor comprometido y dominó la escena cultural de occidente hasta la década de los 70. Fuente: http://www.zola.es/emilie-zola-breve-biografia.php @QueLeer